从“康定斯基的宇宙”，再看20世纪的几何抽象

色彩交织，形状交叠，线条交错，点缀流转——在德国波茨坦巴贝里尼美术馆（Museum Barberini）新展“康定斯基的宇宙——20世纪的几何抽象”，20世纪的抽象风格、潮流、执念与乌托邦飞旋于眼前，仿佛带来一场令人陶醉的感官融合。

展览汇集70位艺术家的125件作品（以12件康定斯基作品串联），展现了几何抽象艺术在20世纪欧洲和美洲的发展。这不仅是一次视觉的探索，更是一次对现代主义极致追求的回顾。自康定斯基以来，西方的艺术家们逐渐从描绘可见世界转向了探索色彩、线条与形状的互动，将其视为一种超越国界的视觉语言。

展览现场，中为康定斯基作品。

“色彩是琴键，眼睛是琴槌，灵魂是一架有众多琴弦的钢琴。” 这样的语言出自瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky，1866—1944年），使这位先锋派画家成为“联觉艺术家”——一种曾被视为“精神错乱”的特质。他的感官相互交融：他“听见”色彩的声音，“嗅到”音符的气味，甚至“品尝”声音的味道。

参观者在康定斯基作品前。

20世纪初，绘画经历了一场深刻的变革。艺术家们不再满足于对可见世界的再现，而是追求一种新的、普适的视觉语言，专注于色彩、线条和形状的相互作用。这一现代的艺术潮流在欧洲和美国兴起，并以“几何抽象”的形式不断突破绘画的边界，包括至上主义（Suprematismus）、构成主义（Konstruktivismus）、包豪斯（Bauhaus）、英国战后抽象（britische Nachkriegsabstraktion）、硬边绘画（Hard Edge）以及欧普艺术（Optical Art）。

从1918年至1970年代，展览以八个章节的跨国视角、呈现几何抽象艺术，突出了各流派之间的关联。无疑，展览核心线索是康定斯基的12件代表作品，由此引发出展览其他110余件绘画、雕塑和装置艺术作品，其中包括约瑟夫·阿尔伯斯（Josef Albers）、索尼娅·德劳内（Sonia Delaunay）、芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）、埃尔·利西茨基（El Lissitzky）、艾格妮丝·马丁（Agnes Martin）、皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）、布里奇特·赖利（Bridget Riley）、弗兰克·斯特拉（Frank Stella）以及维克多·瓦萨雷利（Victor Vasarely）等，展现几何抽象如何不断挑战观众的视觉体验与想象空间。

展览现场

康定斯基是现代艺术发展的重要里程碑，他的作品架起了一座连接先锋派与苏维埃俄国的桥梁。展览策展人斯特雷·巴伦森（Sterre Barentsen）表示：“从康定斯基的艺术发展轨迹出发来策划展览，是一次极具启发性的过程。展览标题‘康定斯基的宇宙’恰如其分地表达了策展理念：它不仅指向康定斯基广泛的艺术影响力，还反映了20世纪上半叶的剧烈变革如何塑造了他的艺术生涯。他的理念不仅影响了俄罗斯至上主义、德国包豪斯以及法国‘抽象—创造’（Abstraction-Création）团体，还在他去世后由欧洲流亡艺术家传入美国，并催生了硬边绘画和欧普艺术等新潮流。”

在艺术史学界，关于康定斯基的联觉能力一直存有争议，有人认为确有其事，也有人认为这只是概念化的表达。但无论如何，他在1911年提出的理论，即“形式可以独立于色彩存在”，在当时是革命性的。这意味着，形式本身能够影响色彩。他的艺术探索始终围绕着空间的表现力。他和同时代的艺术家们受到科学与技术的启发，致力于通过艺术表达新的空间与时间观念。在这一点上，康定斯基无疑是一位先驱。

康定斯基，《上方与左侧》，1925

康定斯基生于莫斯科，原本接受法律训练，但1896年赴慕尼黑学习艺术。1908年起，他开始创作具有表现主义特征的作品，并于1911年联合创立“蓝骑士”艺术团体，逐步摆脱对可见现实的直接再现。同年，他出版理论著作《艺术中的精神》，提出色彩与几何形状具有内在精神力量的概念，这一思想深远地影响了现代艺术的发展。

第一次世界大战爆发后，康定斯基返回莫斯科，此时俄罗斯的至上主义和构成主义艺术运动正蓬勃发展，马列维奇（Kazimir Malevich）、波波娃（Ljubow Popowa）、克柳恩（Iwan Kljun）和利西茨基（El Lissitzky）等艺术家将艺术与技术、理性与精神结合，构建了一种面向未来的乌托邦视觉语言。然而，随着1917年革命后艺术向工业生产转向，康定斯基因坚持艺术的“内在必然性”理论而被边缘化。

拉斯洛·莫霍利-纳吉，《构图 Z VIII》，1924

1922年，康定斯基受邀加入德国包豪斯，其创作受到莫斯科前卫艺术的影响，逐渐发展出简练的几何语言。他的理论著作《点、线、面》（1926）成为几何抽象艺术的重要基石。与约瑟夫·阿尔伯斯（Josef Albers）、莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）等包豪斯艺术家的交流，使他的作品更加理性化，并为日后具体艺术（Concrete Art）的发展奠定基础。

展览现场

1933年，纳粹关闭包豪斯，康定斯基迁居法国，加入“抽象—创造团体”，与蒙德里安（Piet Mondrian）、阿尔普（Sophie Taeuber-Arp）等艺术家共同推动非具象艺术的发展。他的晚期作品虽带有梦幻色彩，但仍保持几何抽象的语言，并受到科学文献的启发。即便面对全球政治动荡，他仍坚信艺术是精神探索的重要领域。1944年，他在巴黎附近的讷伊（Neuilly-sur-Seine）去世。

索菲·塔伊伯-阿尔普：《十二个空间与平面、角带及圆的布局》，1939

展览现场

展览结合康定斯基的生平，揭示了这位艺术家的思想轨迹。他无视立体主义的影响，坚持在艺术中寻找“精神性”。他甚至为色彩赋予情感特质，如将蓝色视为“柔和的、芳香的”，红色为“鲜活而温暖的”，黄色则“尖锐而刺眼”。他认为点是“空白画布上的点睛元素”，水平线是“冷静的、支撑性的、沉默的、黑色的”，而垂直线则是“活跃的、温暖的、白色的”。他还将几何形状与特定颜色关联，如蓝色对应圆形，红色对应方形，黄色对应富有攻击性的三角形。

随着抽象程度的不断提高，康定斯基近乎偏执地建立了一种“无对象性”的语法。他像在音乐创作中那样，将自己的作品分为三类：“即兴”“印象”和“构图”（Kompositionen）。他甚至提出，蓝骑士时期的表现主义是“温暖的抽象”，而几何图像则是“冷抽象”。这场展览不仅是对几何抽象艺术的回顾，也邀请观众进行一次感官实验，探索自身的视觉与心理感知。

展览现场

第二次世界大战后，几何抽象艺术发生重大转折。随着纳粹占领巴黎，大批欧洲艺术家、画廊主和评论家流亡美国。在此之前，伦敦已成为几何抽象的重要中心，巴巴拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）和本·尼科尔森（Ben Nicholson）等英国艺术家推动了这一潮流。战后，英国的“建构主义者”（Constructionists）发展出结合新型工业材料（如塑料、丙烯、玻璃纤维）的几何艺术。

Miriam Schapiro：《拼图》，1969

与此同时，欧洲流亡艺术家在美国掀起了几何抽象的新浪潮。1960年代，硬边绘画（Hard Edge）艺术家弗兰克·斯特拉（Frank Stella）、艾尔斯沃斯·凯利（Ellsworth Kelly）和卡门·埃雷拉（Carmen Herrera）以精准的几何形态和强烈的色彩推动非具象艺术的发展。由布里奇特·赖利、瓦萨雷利等人开创的欧普艺术，利用色彩与形状的错视效果，结合现代科技的视觉原理，使静态绘画产生动态感。